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关于栾布作品题材及表现的问题,说到西藏题材绘画

时间:2020-03-01 03:57

远方的呼唤栾布油画作品展,于4月16日上午十时在江西省美术馆准时开幕。原本准备在馆前广场举办的开幕式因为一场不请自来的中雨,而改在了馆内前厅进行。出席开幕式的有江西省文化厅厅长池红、师大党委书记田延光、中国美院绘画学院院长杨参军、英国剑桥大学艺术史学博士马克、巴克等600多人。由于人数太多,不少观众不得不伫立在馆外雨中。 我原本想挤进前厅,近距离目睹远道而来的几位美术大腕,因受不了拥挤而退到了馆外,撑着伞聆听开幕仪式。自美术馆建馆以来,我不下十多次出席各类画展开幕式和看展览,但象今天这种规格和规模,观众这样高涨的观展热情是不多见的。 开幕式结束,主持人宣布展览参观开始,在有关领导的带领下,观展的人潮向展厅鱼贯而入,走进宽敞明亮的展览大厅,环顾四周,好大一个展厅内挂满了大小不等、内容不同、各种表现手法、色彩绚丽、画框装饰考究的油画作品。这里展出的120幅油画作品,是栾布深入西藏体验生活,用油画这种特殊语言来表达自己的感受。看到画面,你可以触摸到作者激烈跳动的脉搏,你仿佛置身于藏民祈福的队伍里,站在金灿灿粟米收割的田垄上,在扬鞭跃马准备出发的马队中。你或许看过不少反映西藏题材的绘画作品,图片、画册和原作,但同时欣赏一位画家这么多的真迹佳作恐怕是第一次吧?尤其是观赏到多幅6米的鸿篇巨制,每一幅画作都由2030多位真人大小的人物群像构成。场面气势恢弘,夺人眼球,使人产生强大视觉冲击力。不得不让人震撼和感动。 整个上午的观展,可以说是惊喜和感奋交加,归纳一下,有如下几点感触: 1、作品数量之多,容量之大,品位之高是前所未有的。栾布从酝酿主题到体验生活、从进入创作到作品展览,前后仅6年多的光景,在作品标注的创作时间可以看出,绝大部分作品产生于20122016年之间。其中还有68幅大画。平均每年至少要创作20幅左右。这与有的大画家一年就搞一副精品或几幅作品来说,这种速度是不可思议的。他除了要有对绘画痴迷的精神动力、大量的素材、超强的意志、娴熟的技巧,还要有强壮充沛的体力。然而,栾布克服各种困难和阻力,成为了一位名副其实的高产画家。用栾布自己的话说:我默默地勤奋地画画,排除各种干扰。我自认为有强大的心理素质,不是吗?每年能创作如此多的作品,其中驾驭六米大画的心理承受能力不是什么人都可以做到的,我努力去做了。在这些绘画中可以体会到我的所有心力相倾的收获。 面对自己展出的油画创作,真想感叹地说一声:不容易,真的不容易。对于这一点,我是最有发言权的。去年六月底的一天,我与阔别十多年的栾布见面时,他的衰老程度让我惊愕,当年结实健壮的体形显得佝偻、面庞黑瘦,满头银发稀疏。自我加压,超负荷地用脑和体力并重的劳作,正在透支他生命的承载能力。这种付出,绝不亚于奥运冠军的努力和拼搏。它换回了卓越不朽的精品力作,赢得了广大观众的喜爱和崇敬。 2、他的勇气和挑战精神。长期以来,各种美术作品特别是油画作品中反映西藏题材的作品不胜枚举,其中还有不少以画藏民形象而蜚声海内外的大腕名家。然而,栾布竟在大家逐渐淡出此类题材的时候,逆势而上,挑战自我。在选择画什么的当下,义无反顾,坚定信念,十数次深入雪域高原,沉下心来,体验生活。他说:每一次去,都是那么的兴奋,每一次去,都经历磨难,每一次去又是收获满满。我会在高原寻找广博深远的希冀,我会在藏民中体会生命的呼吸,我会在寺庙里感受上苍的关爱,我会在山水中嗅到自然的情味。这批作品具有宏大的叙事性,栾布用自己的视角,全景式的表现了西藏人的生活状态,真实反映了他们的性格特征与情感,具有雪域高原特有的气息。这批作品还有宽银幕的全景式特征,彰显了西域特有的天宽地阔之境。作品再一次带领我们神游西藏,去感受天湛蓝,水碧绿、雪洁白、人憨厚,淳朴的奇情美景。 3、他作品深刻的文化素养和创意。这种精深的文化内涵和修养,来自于广博的阅读量和深邃的思考及感悟能力。他是我们这一代50后最早使用微信来阅读美术评论和欣赏中外艺术作品的画家。数年来每天阅读分享转载3-5篇文章及绘画作品,这一习惯,成了他必做的功课,无论创作再忙,身处何处,乐此不疲。它对于艺术观念的更新和作品品质、风格的形成、提升是潜移默化的。栾布感慨到:我画的题材相对于时尚语言来说,似乎有些陈旧,但仔细品味,这些油画中也是有许多的现代时尚符号包含其中的,现在绘画构成式的运用,对造型形式感的现代表达,对色彩前卫性格的探索,符号化、痕迹化、材料化的解析重组,特别是对画面多种绘画因素,节奏和韵律的掌控等等,都是我多年来绘画研究修养的集中呈现。行家如果看过他的作品,只要稍加揣摩,不难发现,他对油画作品的风格、形式、色彩、笔触的思考、探索是全方位的,特别是近期人物、风景画作品,有国画写意的神韵和风采,耐人玩味。这种改变和提升,如果没有扎实的写实造型能力和艺术修养为前提,那是不可能达到现在此种境界和水准的。这类作品有《丰收曲》、《节日里的少女》、《歌舞手》等。 关于栾布作品题材及表现的问题,我也听到过一些议论,他们在肯定作者技能造型基本功扎实老道的同时,提出来说他的作品没有形成个人风格、特色。基本上是马宏道、陈丹青的翻版。对于这种观点恕我不敢苟同。原因有:画作产生的年代背景不同,尽管都是画西藏题材80-90年代主题性绘画是崇尚写实主义的年代,西藏当时还相对贫穷、落后、民风古朴,画家用写实画法记录了真实的藏民生活状态。形象黑瘦,表情木纳严肃,行为困顿。然而今天的西藏通过改革开放,在祖国强大的人力物力支援下,已发生了翻天覆地的变化。栾布油画上呈现出的藏区是阳光灿烂、处处充满生机活力、朝气蓬勃的兴旺景象,藏民的脸上洋溢着喜庆的精神面貌。表现形式不同,先前看到表现藏民的画面,多采用古典写实表现手法,对于反映古朴民风、民俗和他们的情感气质比较贴切自然,但表现形式相对单一。栾布的油画取向多元、丰富多彩。有以写实、叙事性见长的画面。例如几幅大画,象长篇小说,得细细品味;有写实写意结合、抒情味较浓的画面、让人回味绵长;有以色彩夸张,艳丽表现激烈情绪的画面、刺激过瘾;还有以类似色营造温馨情调的画面像散文,似小溪潺潺流水;更有以写意为主的探索性绘画形式像诗歌痛快淋漓。用栾布自己的话说这样做是为了满足不同审美、不同爱好的观众的欣赏需求,也是挑战自我的大胆尝试。绘画本体语言开发利用不同,写实绘画,在过去曾经占据主导地位。然而随着当今图像泛化的年代,主题性创作面临诸多困境,和摄影镜头相比,在情节和叙事上写实优势被弱化。栾布寻求在绘画本体语言上推成出新,首先更新对主题性绘画的认识,赋予它更宽泛的定义,将抽象、表现性绘画观念研究与形式性研究包括在其中。发挥油画材料的特长,在表现手段和方法上做更多的探索思考与处理。在生活体验上不断寻求新感受,力求在创意上赋予更多的人文性质,提升作品的品质和内涵。 有人一谈到绘画风格,还是理解为一种符号化,固定表现模式,这样未免有些过时了,不符合多样性和与时俱进的创新理念。持这种观点的人对栾布艺术探索的经历不甚了解。他们不妨亲临展览现场,仔细观看研究栾布作品真迹。应该会有先前不一样的感受。 4、作者炉火纯青、娴熟老练的油画技巧令人惊讶。他把对藏民的深情厚谊倾注在画笔上,用成竹在胸,行云流水般豪放的笔触表现在画布上。特别是栾布善于掌控大画面。行内都有一个共识:绘画中人物难画,画群像更难,画大型群像难上加难。然而,他却迎难而上,以惊人的意志、驾轻就熟的技法征服了难关。在众多人物组合中,对整体画面的节奏、主次、疏密、虚实都拿捏的恰到好处。尤其是在人物肖象细节的刻画上,花费了大量的心力,人物的个性特征、表情、动态、服饰等都反复推敲,琢磨。出神入化,惟妙惟肖,真切感人。代表作有《在阳光灿烂的日子里》、《收获季节》、《高原骑士》等。画作场面之壮观、构成之美妙、色彩之绮丽,塑造之精微、笔触之潇洒。让人过目不忘,流连忘返。 远方的呼唤栾布油画作品展是他整个艺术生涯中完美的一次亮相,它为振兴江西美术起到积极地推动作用。他的示范作用不可小觑,他召唤更多的有志于在绘画道路上跋涉的人们,尤其是青年画家,要丢掉幻想,摒弃浮躁,脚踏实地走好每一步,在画什么,怎么画的思考和选择上把握好方向,不断在油画本体语言上推陈出新,在生活体验中寻求新感受,要与时俱进在绘画形式上寻找突破和创新。 作为栾布的朋友,我钦佩他对艺术的痴迷和执着,祝贺他的油画作品成功展示。更关心他的身体健康,希望他在今后的艺术道路上,走的更从容坚定。毕竟是60岁的人啦。珍惜生命也是珍惜艺术。栾布不妨在画画之余调剂一下,将自己西藏艺术苦旅和创作经验,作一次总结和纪录,让它成为一笔珍贵的文化遗产传承下去,发扬光大。

他的笔墨语言集中、西绘画精髓为一体,不仅拓宽了中国画的审美范畴,更具有史学意义 一、传统精神 南海岩是传统水墨人物画的继承者,他曾大量临摹研习各类传统经典作品,从花鸟、山水到人物,他都有全面的继承,并能深刻理解中国水墨画精神内涵。南海岩从关注现实、表现现实的角度出发,在西藏采风中面对勤劳朴实在藏民产生了强烈的绘画冲动,这使他成功的拓展了写实水墨人物画的艺术表现力。他笔下的西藏水墨人物画色彩厚重,富有生命气息。他的作品标志着由徐悲鸿、蒋兆和、周思聪等前辈大师共同开创的中国水墨人物写实画派发展到了一个新的阶段。 中国画向来讲究传统修养,以重意境、求格调而傲立于世界艺术之林,她的魅力主要体现在意境之美和人文精神层面,南海岩绘画的美学、哲学基础,也正是立足于此,他传统水墨画功力深厚,深得意境之内蕴。其作品气韵生动、用色丰富、意境脱俗,极富艺术表现力。更难能可贵的是,画家将这种传统笔墨的意象韵致,与藏民的现实生活巧妙结合在一起,于笔墨、色彩、线条、造型中表现出藏民的精神气质。画家努力刻画他们的真实人性、人情,给我们展现出一幅幅开阔、厚重、沉郁的灵魂景象。同时,他在作品中努力把自己的感情画出来,使得笔下的藏民形象血肉丰满、坚实生动,给人一种灵魂深处的震撼。 二、创新开拓 在绘画实践中,南海岩大胆摒弃了传统水墨人物画的构图方式,同时从西方绘画中借鉴了大量的创作手法,来处理人物明暗、转折、形象之间关系,成功增强了笔下人物的厚重感、立体感。中国画在色彩上、力量上和西画相比局限性很大,传统的中国人物画讲究意象造型,用线较多,略嫌闭封自守。石涛曾说笔墨当随时代,南海岩有一方闲章与时俱新,在创新方面付出了巨大的努力,也取得了巨大的成果。他力避平面单薄的符号化,追求丰富立体的肌理表现,从而丰富了国画的表现手法、拓宽了国画的表现领域。南海岩是写实水墨人物画的真正创新开拓者。 南海岩有深厚的传统修养,但他并没有拘泥于水墨人物画的概念套路,而是在继承传统的基础上又有新的突破。这种突破主要表现在,他对中西绘画技法的融会贯通上。南海岩感悟传统艺术之精髓,又深谙西洋绘画之理念,并将二者兼收并蓄,形成自己独特的艺术风格。画家一旦掌握了中西方绘画语言的奥秘,便渐入佳境意到笔随,笔落形出,并形成了极具特色造型语言。他的作品笔畅墨酣,苍劲老辣、气势磅礴。他在反映现实生活,刻画人物形象、锤练具象写实语言三个方面,也都有独到的创新。 三、个性风格 南海岩的作品笔墨平淡从容,从不故作高深、怪诞,画面的着力处往往在人物面部表情神态上、其余则显得松散随意,表现出一种淡泊中的坚韧。他还能得心应手的将多种材料混合,独辟蹊径的探索出一条雅俗共赏的绘画新路。这种中西结合的方式,使得画家的艺术手法更加灵活,也更利于捕捉人物内心深处的复杂情感。这一点,在他代表作品《祈祷》中体现的尤为明显,在这幅作品里,画家的笔触细腻,色彩运用却非常大胆,显示出别具一格的东方情调。画中祈祷的老妇目光深邃,脸上的表情平静、虔诚、坚强,有一种令人惊叹的震撼力。 四、学术影响 笔墨当随时代是南海岩一贯的追求,也是他在创作实践中身体力行,不断求新、求变的源动力。为了挖掘新时代背景下西部人物的精髓,他不惜万里奔波,远赴西藏写生考察。并在此基础上,创作出一系列充满西藏风情的作品。在创作过程中,他力避平面、单薄的手法,而追求立体、厚重的艺术形象,从而最终创造和确立了属于自己的艺术风格。他笔下的人物总是浓墨重彩,折射出一种逼真的厚重感。让人看到的不仅仅是他们的外形,而是近距离地触摸到了那一颗颗奇倔、顽强、火热的生命。因此,他的创作实践对学术界产生了积极的影响。 在当今文化多元、传统文化的个性受到挑战与冲击的时代,南海岩借鉴西方艺术观念与色彩、造型图式,对传统中国画笔墨语言进行了重新解构与重组,并试图建立起新的国画式样,以此来盘活的扩充国画的表现领域,对传统尊重,对外来文化的辩证吸收,完善了中国画的美学思想与审美范式。南海岩对于写实人物画的贡献,不仅在于他一手伸向西方,汲取科学的色彩理念,更在于他另一手伸向传统,提炼传统艺术的笔墨形式,使之与表现现实的需要相匹配,焕发出新的生命力。他在中国人物画题材的开拓,绘画语言的丰富,尤其是中国画笔墨的表达方式和表现能力上,都对当代中国画的创新作出了应有的探索和贡献,在当代画坛占有一席之地。 五、纵向评判 南海岩通过对新的理念和技法的运用,摈弃水墨人物画的概念套路,使自己绘画面貌一新,在这点上,他与陈老莲的艺术风格有异曲同工之妙。陈老莲以其独立不倚的高古奇骇格调,冲破形式主义藩篱,艺术风格自成一派。与陈老莲的人物画有所不同的是,南海岩笔下的人物感觉更厚实、也更有视觉冲击力。这和传统国画的笔墨语言有关,传统国画在表现一些个性鲜明的事物上,所绘线条往往韵味有余,力量不足。例如陈老莲早期用线条用游丝描,笔法细圆并参有方折,用线较散,有刻意雕凿的痕迹。南海岩在继承传统画法的基础上,为了克服国画技法的不足,做了大量开拓性实验,在国画笔墨中引入西方绘画技法,从而使画面更加厚重。他的作品中虽然散发着强烈的写实主义风格,但画面结构、色彩的运用还是中国画的属性,这也行成了其独树一帜艺术特征。 传统文人意志中反映出来的消极人生观、玄妙的心理感悟、清淡的生命意识,以及诗意化的审美情趣,程式化的构思方式等都与现代人的开放意识有了很大的距离,南海岩突破了传统画家怡情山林江湖之思,既不回避现实,亦不追逐世俗功利,完全摆脱了功利羁绊的绘画精神。历代画家都在力求对传统绘画有所创新,变化不是没有,但总体上是技法的变化,自宋至清,绘画的变化都只是局限在笔法、墨法细微末节的变化上,南海岩则大胆地进行了观念上的变化,大胆借鉴外来艺术而走中西融合之途的开拓,其作品中的当代性在人文内涵与精神追求方面均以表达当代人的精神与心理状态、审美趣味为宗旨,从而开拓了符合当代审美意趣的人物画新境界。 六、横向比较 与众多当代画家相比,南海岩并没有盲目去追求现代或前卫,他不愿哗众取宠,更不愿标新立异。他对中国传统绘画的继承与突破,是在一种既不过分保守,也不盲目反判的方式中从容走过。他的作品深受传统文化影响,又具有很深的西方艺术烙印。传统文化和西方绘画艺术在矛盾、碰撞和交汇中融合,使他在用笔、用墨和用色上完全达到一种最佳的效果。在人物塑造上,南海岩和黄胄很多相似之处,他们都是从人文关怀出发,去描绘普通民众的形象,从而给观者在视觉及心理上以极大震撼。不过黄胄的作品强调结构的理解提倡节奏的表现,发挥线的功能和水墨韵味的效果。南海岩在笔墨和意味中,展现更多的是一种内在精神和情感表达,震撼人们的心灵。 南海岩不仅对藏民的生存、命运给予深切关注,更关注其内心蕴藏的精神和丰富情感,从而使人物的生命与灵魂在纸间得以复现与延续。当代画家中画西藏题材的画家并不缺乏,带着猎奇的心态者有之,纯当风情画者亦有之,当然,在西藏题材上颇有建树者也不是没有,影响较大的有陈丹青、艾轩、史国良等,细读这些画家的西藏题材作品,可以清晰地感受到时代的印记,如陈丹青的神秘、冷峻、沧桑,艾轩的淡定与宁静,而史国良强调的是一种世俗的精神。南海岩的人物画将传统绘画中普遍存在的对苦难的悲天悯人情怀进行了转换和提升,他表现的是新时期藏民的一种生存状态,一种精神向往,他在藏民内在精神的表达上,更关注其对信仰与灵魂的守望与希冀,让人感受到新时代的藏民内蕴的宗教虔诚、生命呐喊,从而与其他画家的表现主题与视角完全不同。 七、市场影响 相比较其他当代中青年画家而言,南海岩是较早引起海外收藏界的关注,并获肯定、认可的其中一个。如今,他在学术界和收藏界都具有极佳的人气,其作品在各大拍卖会及展览中都成为买家追捧的精品,从学术界与收藏界对南海岩先生作品的普遍认可程度来讲,他独特的艺术风格正为越来越多的人所熟知,他的作品在艺术市场上也受到越来越多收藏者的喜爱和关注。南海岩在丰富水墨人物表现手法、拓宽国画表现领域方面,所取得的成就堪称有目共睹,他将西方绘画的素描、色彩技巧与中国画的意象造型、水墨精神相结合,使画面形象既形象逼真,又富有水墨人物的意蕴魅力,南海岩以饱满的创作激情、杰出的艺术作品默默征服了广大收藏者。 南海岩在继承传统和吸收西方技法,尤其是在中国人物画题材的开拓上,取得了令人瞩目的成就,得到美术界的充分肯定。南海岩非常注重绘画形式的多样化、个性化,中国画笔墨的表达方式上,进行了有益的探索和贡献。他大量吸收和借鉴西画表现手法,但又并非吸收单一的油画模式,而是较全面地吸收西方从古典到现代的各种风格与流派,不断丰富自己绘画语言。无论是严谨而富有艺术概括的造型,还是鲜明的色彩搭配,均显示出他深厚的艺术修养。此外,他的水墨人物画在反映现实生活,刻画人物形象、锤炼具象写实语言等方面,也都取得很高的艺术成就,在书画流通领域具有很高的号召力。 八、藏家素养 南海岩的画作在艺术市场享有很高的声誉。他早期的作品,百分之九十以上流向台湾、东南亚等地,并且收藏者大都是收藏界的行家。这与他深厚的艺术造诣有很大关系,藏家们对他的艺术发展有充足的信心。他笔下厚重苦涩的甘南藏民,看起来完全一副学术面孔,却依然受到许多藏家的追棒。目前收藏南海岩画作的藏家已经不再局限在台湾东南亚等地的画廊、而更多地来自国内的金融、商业、地产等行业,其中包括地产开发商、地产运营商、矿业集团、私营业主等具有相当投资眼光和消费实力的人群。 南海岩的作品具有浓厚的地域特征、鲜明的个人艺术风格,深受收藏界青睐。收藏他作品的以中年收藏者为主,如企业界的高级管理层,具有较高知识修养的文艺界人士,更有北美、法国巴黎资深藏家的加入。这些藏家同时也是旅游爱好者,其中很多人都有一种西藏情节。在他们心中,西藏并不仅仅是一个地域的存在,更多的是一片充满生命充满人和信念的神奇土地。南海岩所创作的一系列西藏人物画,自有一种西藏内涵相适应的笔墨语言。他在作品中展现出的那种凝重感、庄严感以及藏民的朴素气质,给人视觉上强烈的震撼,这恰恰满足了藏家们的精神需求。 九、造假难度 南海岩的作画笔法其特殊性,决定了在他和造假者中间隔着一条难以逾越的鸿沟。南海岩并非完全用西画的笔法来画国画,他是将国画的线条隐在浓重的色块与油腻的用光之后,这样就补足了传统国画重用线条表达、韵味有余、力量不足的弱点,使得画面富有立体的质感,极具张力。在南海岩画作中所体现出来的这种力透纸背的功力是造假者无论如何所难达到的,即使勉强为之,仿作也难免会比较薄难以达到原作的厚度。同时,南海岩的画表面上看似西画笔法,但实际上后面隐藏着国画的线条。目前市面上流通的大部分仿作有其形、缺其神,更没有其意。南海岩笔下的藏民,是立体写实的,写实背后透着凝重,令人感受到视觉上强烈的冲击。目前市面的确偶见南海岩的赝品,但都难以媲及南海岩的真迹。 当今画坛表现西藏人物的作品其实很多,但大多缺少一种灵性的东西。南海岩的作品赋予人物的一种灵魂,实现了造型的具象与意象之间完善的契合。因此,他的水墨人物画,不是一般人所能模仿得了的,即使一些专攻此类题材的画家也很难做到。为了描绘着藏民厚实朴素的性格,南海岩十五次赴西藏去体验生活,深入藏民中间去感受他们的生活,触摸他们的情感世界。可以说,他画的都是自己十分熟悉的人物,每个人物背后都有不同的情感、不同的故事。他的作品之所以生动感人,正是源于这种灵魂深处的亲近。画家如此近距离地接触作品中的人物内心情感,因此才能画出别出心裁、耐人寻味的经典佳作。而造假者因为不了解刻画对像,只能亦步亦趋地描摹,这样模仿出来的作品根本无法刻画出藏民的真实人性、人情的流露。 十、价格潜力 在当今画坛,南海岩是一位炙手可热的人物画家,他的作品艺术风格独特、学术底蕴深厚,表现了当代藏族 民众的生活状态和雪域高原迷人的自然风貌。他的绘画语言集中、西绘画精髓为一体,极大地提升了传统绘画的表现力,不仅丰富了水墨人物画的技法,同时也拓宽了中国画的审美范畴,从这个意义上讲,南海岩的绘画实践具有美术史意义。多年来,他的作品在艺术市场表现十分优异,在民间拥有广泛的收藏基础。南海岩创作态度严谨、对作品质量要求近乎东苛刻,因此在艺术市场上他的作品数量不是很多,有限的作品大都被一些高端收藏者所拥有,这些人士看好南海岩的艺术前景都不愿把藏品拿到市场来交易。因此,尽管流通领域需求强烈。南海岩的作品依然很稀缺,这种严重的供需矛盾造成了南海岩作品价格在很长时期内处于上升的态势。作为一个六零后艺术家,南海岩的才华和成就令人瞩目,他不仅是学术明星,同时也是市场之间找到了平衡。虽然他的作品价格近年来有很高的涨幅,但有实力的收藏家仍然对他的作品趋之若鹜,其作品价格仍会稳步攀升,我们相信这种局面将会在很长时间内延续。

艺术家郜少华:精神高度决定了艺术高度我在安徽大学当老师的时候,他是我的学生。那时候他在表演方面很出色,经常表演话剧、小品,很聪明活跃。在绘画上很努力。我后来离开学校去美国了,回来后看了这个展览,觉得他的变化体现在:技法方面有很大提高,在人物刻画上有悲天悯人的情感。以前他给我的印象是好玩,现在在艺术上很沉稳,踏踏实实的从事创作,可以从他的行为看出他把艺术当成终身的事业,很严肃的追求。希望他能经常回来北京办展,扩展更大的空间,我也给他这样的建议就是:精神高度决定了艺术高度。这也是我自己的一个方向。

所以,古典写实的传统油画,丝毫不见笔触的痕迹,但是同样也堪称经典

清华大学美术学院教授陶如让:适度强化色彩,加强故事情节我是在今日美术馆这个展上第一次见到他,第一次看到他的画。他在西藏待了十年,作品给我的感觉是相当美好的。首先,他是敬仰西藏的大自然,及西藏水土培养出来的人。他的创作从人的形貌中窥探人的心灵。第二,他不强调什么突出的题材和明确的故事情节,主要是从精神面貌中刻画心里状态。人物淡定而从容,静谧、安静、和平,与自然和谐相处。不刻意的去追求什么,他们的喜怒哀怨很少流露于表情上。他表现的人物很安定,这就构成了锁钧作品的群体面貌。第三,他的绘画色彩,灰淡的颜色偏多。这也是他的绘画的特点,但有时会弱化视觉的冲击力。所以,我赞成他走自己的路的同时建议他加入强烈的色彩。还有一点,锁钧很赞同吴冠中绘画形式美的观点,但吴冠中绘画中很少接触人物,所以必须讲究构图和形式美。锁钧的绘画表现人物,不一定要强调形式美,希望他绘画中需要一定的情节。这也是作为长辈,给他提出的两个建议吧!

当时19世纪之前,相机还未发明创造出来,所以古典油画流派的画家们,绘画创作担任真实记录的宫廷生活,宫廷贵族,历史故事的任务。

锁钧从上世纪八十年代初开始画油画,当时学习的是苏派技法,风格上讲求用大笔痛快地塑造,色彩系统是调和的高级灰。但是从八十年代起,锁钧开始把目光从苏联转向欧美,特别是在欧洲深厚的油画传统中重新发现了油画语言的丰富性,这一发现使他更自信地放任自己写实功夫的发展,塑造及对形式的敏感性本来就是他的长处。

因为在西方美术史上,印象派之前的油画流派,其统一的风格就是客观写实

中国美术学院副教授万木春:他的阅历会为创作注入力量

油画是画家手工一笔一笔勾勒描绘出来的,笔触是画家画画时留下的笔刀痕迹,可以说任何一幅油画都是留有画家笔触的。但是,有的油画笔触明显,有的油画笔触轻淡甚至从直观上并不显现笔触,这主要取决于画家的表现手法和创作风格。

今日美术馆副馆长高鹏:十年磨一剑锁钧去西藏有十年之久,带回来了这组作品。提到西藏组画我们比较熟悉的就是陈丹青,首先,锁钧是有胆量再去创作这个题材,值得我们敬佩,这是第一种感觉。第二,涉及到锁钧这个人,他本人没有那么多对社会的批判性,他很热情,他笔下的西藏人物是历经沧桑的、苦难的群体,我想西藏之行是他个人的心灵之旅,这里面有他的祝愿。陈丹青的作品当时在画坛带给我们一股清新的风,不同于当时那个时代的。而锁钧更多的是自我的修行,我对这样的艺术家是特别敬佩的。好多人说艺术家要回归,但很少有艺术家真的去回归,大多都会考虑到市场好不好卖,锁钧用十年去完成这批创作,特别难得。我们当时做展览时希望做西藏之旅的延伸,展览结束后,还会有后续的研究,这才是一个完整的句号。

油画不见笔触的痕迹,是不是就算不上一幅优秀经典的油画作品?

2000年以来,锁钧转向西藏题材,非常勤奋地画成了一大批作品,他的技术已趋成熟,精准的轮廓线和涂绘性的笔触结合起来,用地道的油画语言传达出自己对西藏的感受,而天真的性格确保他的画面上看不出思想负担,这种看似不经意的效果尤其是好画所应具有的品质。我想,今后数年应当是他创作的一个高峰期,而他的人生阅历也将给他的油画带来新的力量。

我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信

锁钧自幼受家庭熏陶,诙谐有才情,模仿他人言语举止,无不毕肖。酷爱绘画,在浙江美术学院接受过专业训练,性情洒脱不羁,不善经营,但了解情况的圈内人都十分赏识他的画才。

个人拙见,不一定,为什么?

天津人民美术出版社副总编邢立宏:理性感性作为美术编辑,经常见到的就是画家和作品,锁钧是一位纯粹的画家,他画集中的简介最简单,除了藉贯,就是出生年月,简历只有6个字:自由职业画家。因为他是用画说话的,不是用某某协会会员标榜,更是不会用很多头衔来唬人。

在印象派时期,笔触,被莫奈,梵高,塞尚等画家发扬光大

2011年7月1日,精神的高原锁钧西藏组画展在今日美术馆2号馆2层开幕。说到西藏题材绘画,我们很容易想到陈丹青和艾轩这两位艺术家,在他们笔下西藏人民日常生活场景质朴、真实而自然。时隔多年,艺术家锁钧再次搬出这个阔别已久的亲切题材,在他的作品中你会发现不同层面的人文关怀。让我们看看圈内各界人士是怎样评价锁钧的西藏组画的。

笔触,是画家在创作一幅油画时,通过画家的运笔方式,比如通过挫,拍,揉,扫,擦,刮,涂,摆等运笔方式,营造画面主观的表现痕迹